1 El teatro latino. Los géneros: tragedia y comedia. Principales rasgos del teatro latino: lugar de la representación, tiempo de la representación, los actores, estructura de las obras
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Plauto, Anfitrión 1.1. El teatro latino. Los géneros: tragedia y comedia. Principales rasgos del teatro latino: lugar de la representación, tiempo de la representación, los actores, estructura de las obras. I. INTRODUCCIÓN Las fiestas en honor del dios griego Dioniso, Baco para los romanos, son el origen del teatro. Se suponía que este dios iba acompañado por las ménades o bacantes, mujeres dedicadas a su culto, y los sátiros, seres mitológicos con patas de cabra y cuernos. Hombres disfrazados de sátiros acompañados de mujeres que simulaban a las ménades danzaban y cantaban recordando la azarosa vida de Dioniso. Posteriormente apareció la figura del corega, jefe del coro, con su coro de actores que representaban temas mitológicos e históricos y no solo episodios de la vida de Dioniso. Aparentemente, las principales formas teatrales del drama romano son, al igual que en el teatro griego, la tragedia y la comedia, pero en este sentido el pueblo romano no fue original. La tragedia romana es, sin duda alguna, una adaptación al latín de tragedias y de temas mitológicos de molde griego, aunque nunca produjo en su público el fenómeno catártico que producía entre los atenienses la tragedia griega. Era, más que nada, un producto cultural destinado al entretenimiento. La comedia tuvo un poco de mejor suerte. II. ORÍGENES Y EVOLUCIÓN DEL TEATRO ROMANO El teatro era el único género literario que en época de la helenización de cultura latina se había enriquecido ya en Roma con una rica tradición popular. Efectivamente, el carácter itálico se distinguía por una tendencia a la chanza, a lo grotesco y a lo mordaz (el italum acetum a que se refirió Horacio) que desde antiguo se plasmaba en representaciones improvisadas de gran raigambre popular. Manifestaciones pre-teatrales: •Carmina trimphalia: cantos alternados con ocasión de desfiles en los que se celebra el triunfo de un general. (satíricos y obscenos). •Versos fesceninos: versos cantados en bodas o en fiestas de recolección de cosechas. Toman su nombre de la ciudad de Fescenio, donde se supone que nacieron. También son licenciosos y atrevidos. •Fábulas atelanas: de la ciudad de Atella, ciudad de Campania. Un tipo de comedia con personajes estereotipados de los mismos perfiles: un fanfarrón, una especie de bocazas, un insulso e inocente enamorado, un personaje orgulloso, un viejo avaro, etc. Influjo de la cultura etrusca. De ella se tomaron términos como histrio, persona, ludi y diversos aspectos de la organización teatral romana. Influjo del teatro griego: cuando Roma llega a conocer las ciudades de la Magna Grecia, en su expansión hacia el sur de Italia. También es popular y de mayor pervivencia en el mundo romano el mimo literario, un género en el que los papeles femeninos son representados por mujeres. Destaca además la pantomima, donde la expresión corporal juega un papel predominante. III. GÉNEROS PRINCIPALES En la literatura romana no se habla de tragedias y comedias; sino de fabulae. La distinción entre unas formas dramáticas y otras se basa más bien en el origen del asunto tratado y en la caracterización de los personajes en escena. Distinguían así los siguientes tipos de fabulae: FÁBULA PALLIATA: es la comedia romana de tema griego. Se llama así porque los actores se cubrían con el pallium o manto griego. FÁBULA TOGATA: es la comedia romana sobre temas y personajes romanos. Los actores vestían con la toga. FÁBULA CREPIDATA O COTURNATA: es la tragedia romana de tema griego. Se caracterizaba porque los actores usaban el coturno o zapato alto característico de los actores trágicos griegos. FÁBULA PRAETEXTA: es la tragedia romana cuyo tema se basa en la leyenda o en la historia romana. Toma el nombre de la toga orlada que llevaban los hombres ilustres en Roma. Los precursores del género teatral en Roma fueron, entre otros, Livio Andronico y Nevio que escribían indistintamente ambos géneros. Será en el S. II a. C. con Plauto y Terencio cuando los autores se especialicen en tragedia o en comedia. LIVIO ANDRONICO. Escribe su primera obra teatral en el 240 a.C. con la característica de que sus obras no se basan en las formas dramáticas itálicas, sino que es el resultado de la introducción en Roma de las técnicas teatrales griegas, aunque el ambiente podía ser griego o romano. GNEO NEVIO. Es sobre todo autor de comedias, de las que se conservan unos treinta títulos. En cuanto a tragedias, Nevio establece una importante innovación: la praetexta que se convertirá en la tragedia nacional romana. IV. AMBIENTACIÓN Y CARACTERIZACIÓN DE PERSONAJES La tragedia tiene grandes decorados y columnas, aludiendo a palacios, especialmente. El decorado de la comedia es simple, con varias casas privadas, con sus puertas y balcones. En los géneros que hemos caracterizado con ambientación griega, los objetos y referencias culturales son griegas y se puede aludir a Roma como algo extranjero. En los géneros de ambientación romana los elementos son totalmente romanos. La caracterización de los personajes es fundamental y llamativa. Nos permitirá distinguir entre los tipos de personajes, su categoría social y el género. Hay que especificar en el calzado, el vestido y la máscara. - Los actores de tragedia usan el coturno, una especie de zapato con plataforma, y los actores de comedia usan el soco, una especie de sandalia, salvo los actores de mimo que no se calzan. El vestido de la coturnata es, especialmente, el quitón, especie de túnica con mangas, que en las mujeres se ajusta al cuerpo con un doble cinturón, uno debajo del pecho y otro en las caderas; encima se podía poner un manto amplio enrollado al cuerpo, llamado himatión, o una capa rectangular corta para los soldados, jóvenes y ricos en general, llamada clámide. En la tragedia praetexta el vestido principal es la toga romana, blanca, con borde púrpura, llamada precisamente pretexta. En la comedia palliata, los personajes femeninos usan como manto la palla o himatión y, principalmente, el peplo que consiste en una túnica doble, ajustada con un cinturón en las caderas, en la que la segunda sólo cubre el tronco, sin mangas y un costado abierto; los varones usan sobre pantalones una túnica que deja un hombro al descubierto y se pueden cubrir con el himatión. En la comedia togata se usa túnica y encima una toga blanca. En la comedia atelana más o menos igual que en la togata. Aparte de la máscara, los personajes eran reconocibles por unos atributos. Así el cocinero tenía un delantal, el soldado una clámide y una espada, el jefe de la casa un bastón doblado, el mercader de esclavos un bastón rígido y una bolsa de dinero, un rey su corona, etc. Todos los subgéneros utilizan máscaras menos el mimo. Hechas de madera ligera o de tela y estuco, poseen en la cabeza una peluca de pelo o lino y una apertura en la boca acondicionada como un pequeño altavoz. Las máscaras de tragedia cuentan con un peinado exageradamente levantado sobre la frente. El color sirve para distinguir personajes: pálido para mujeres y ancianos, rojo para esclavos, moreno para hombres. Las máscaras cómicas tienen un pelo ondulado. Los viejos y esclavos son a menudo calvos; los jóvenes rubios y con rizos; las máscaras femeninas presentan distinto peinado: el pelo corto, por ejemplo, las esclavas o las viudas. Además, las máscaras tienen rasgos propios de cada personaje. V. ARGUMENTO Y TIPO DE PERSONAJES En la tragedia los personajes son héroes y heroínas, dioses y diosas, reyes y reinas, soldados. Son personas importantes para historias “importantes”, heroicas. En cuanto que la mitología es variada, los argumentos de la tragedia son variados en cierta medida. En Roma se prefiere el tema troyano: la guerra de Troya y los avatares de sus protagonistas. Existe, además, una tendencia hacia lo horrible, propia del pueblo romano. Se eligen las historias más truculentas y sangrientas. También hay una tendencia hacia el melodrama. Se exagera lo sentimental y lo patético. Los personajes son exagerados: locos, violentos. Por su parte, en la comedia hay que distinguir entre los subgéneros que utilizan argumento complejo y los que lo presentan simple. En los primeros (palliata y togata) los argumentos repiten los mismos esquemas, según un tipo de comedia que podemos considerar costumbrista y burguesa. Llama la atención que el protagonista suele ser un esclavo y abundan otros personajes de la baja sociedad como las prostitutas, los cocineros o los parásitos, que se mezclan con hombres libres y su esposa y joven hijo. Más o menos el argumento que podemos encontrar, sobre todo si nos fijamos en Plauto, es el siguiente: un joven está enamorado de una joven, generalmente prostituta, descarada y esclava, y quiere conseguirla, pero carece del dinero suficiente para tenerla; un esclavo es muy astuto y se las ingenia para ayudar a su joven amo, a costa de su viejo amo y demás personajes a engañar; un anciano, cansado de su esposa, trata de controlar los ataques libertinos de su hijo, pero acaba en bastantes ocasiones mezclándose en los “líos de faldas” y siempre burlado; un asqueroso o una asquerosa comerciante de mujeres constantemente se opone al desenlace feliz de la intriga, obstaculizando el amor entre los jóvenes; un soldado, que suele ser un chulo, con dinero, intenta perjudicar al joven enamorado. La atelana cuenta con solo cuatro o cinco personajes en total: maccus o el bobo, pappus o el anciano, bucco o el bocazas, dosennus o el jorobado y manducus o el comilón. En ella se puede tomar un personaje y caracterizarlo con una circunstancia graciosa que se desarrolla, o se representan escenas de oficios populares, escenas de provincianos, del campo o, incluso, mitológicas. El mimo utiliza argumentos parecidos a las comedias palliata o togata, pero simplificándolos e innova en lo que son temas políticos y crítica personal. VI. ESTRUCTURA Tragedia y comedia son de estructura cerrada. Las obras están divididas en partes fijas. La parte más amplia se suele conocer como acto y este se subdivide en escenas. La tragedia en Roma no innova en cuanto a la estructura griega. Por tanto, a las partes dialogadas se suceden las partes entonadas por el coro. Cada una de estas partes dialogadas es lo que podemos entender como un acto de la obra, hasta un total de cinco. La comedia sí innova y, aunque se suele dividir en las ediciones en cinco actos, el coro griego ha desaparecido. Entonces la acción se desarrolla ininterrumpidamente con alternancia entre partes dialogadas y partes entonadas o cantadas. VII. LENGUA, ESTILO Y OTROS RECURSOS TEATRALES El lenguaje de la tragedia se parece más al de la épica que al de la comedia. El de ésta es un coloquial y hasta vulgar. La tragedia habla con grandes palabras, con un estilo sublime, por encima de lo normal. Sus formas no son cotidianas. El efecto es bastante artificial para nosotros, pero muy del gusto de aquellos tiempos. La comedia también tiene sus elementos técnicos, pero distintos y con otras finalidades. Así, los actores hacen paréntesis para hablar con el público, se juega con los equívocos, con los sonidos y las palabras; o aparecen groserías y obscenidades. VIII. MÉTRICA El teatro latino siempre es en verso. La métrica es variada. Abunda el llamado senario yámbico. IX. EL EDIFICIO. ESTRUCTURA DE LOS TEATROS -El edificio teatral romano está construido de nueva planta exenta, utilizando el sistema habitual romano para todas sus grandes construcciones: arquerías de medio punto y bóveda de cañón. El acceso al escenario se realiza desde dentro del edificio, mediante bocas de acceso, o vomitoria. -La cavea está dispuesta en tres partes: ima, media y summa. Las clases sociales favorecidas disfrutan de las mejores localidades (en la cavea ima) -La orchestra no es circular, sino semicircular, y ya no cumple función dramática ninguna. Es un espacio reservado para espectadores distinguidos (senadores, embajadores, posiblemente las sacerdotisas Vestales…) -Entre el escenario (scaena ) y la orchestra, existe un pequeño muro, que proporciona elevación a la escena, y se llama proscaenium. -El escenario donde se desarrolla la acción dramática se llama scaena. Se trata de un pasillo que simula, en la ficción dramática, una calle o plaza (habitualmente de una ciudad griega). Suele tener un pequeño altar, y dispone de cinco salidas, mediante puertas: tres puertas frontales y dos laterales. -La parte frontal del escenario se llama frons scaenae, y solía estar profusamente decorada con columnas, hornacinas, estatuas (de dioses o de los emperadores). A veces estaba rematada en su parte superior por una cornisa, llamada tornavoz, que recogía la voz de los actores y la proyectaba hacia el público.  X. ORGANIZACIÓN DEL TEATRO ROMANO Las representaciones dramáticas tienen lugar durante los Juegos Públicos. Ocasionalmente, puede haber representaciones con ocasión de la dedicación de un templo, o los funerales de un gran personaje. Los espectadores no pagan entrada. Un magistrado, el edil, u otra persona que quiere hacerse con la voluntad del pueblo, corre con todos los gastos. El magistrado que preside contrata a un director de compañía (dominus gregis ). La grex o compañía está formada habitualmente por cuatro o cinco actores. El director compra al autor dramático por una suma módica la obra que va a montar. En cuanto el autor vende su obra, pierde todo control sobre ella: ello quiere decir que se pueden hacer todos los cambios y adaptaciones que la compañía teatral considere oportunos, sin que el autor pueda oponerse. De hecho, sin embargo, esto casi nunca se hacía, habida cuenta de la extrema dificultad que existe en alterar un texto en verso y perfectamente acabado. Los actores (actores, histriones ) y los bailarines (saltatores),son generalmente esclavos o libertos: hasta el Imperio exhibirse en público será considerado como infamante ( si algún noble sale a escena, pierde su condición egregia en ese mismo momento). La profesión de actor está mal considerada, lo cual no impidió que personajes célebres como Cicerón estimaran en mucho a determinados actores.
Al tener el rostro cubierto por la máscara, no interesa, como hoy, lo relacionado con la expresión facial. Interesa, en cambio, mucho, la expresión corporal: el actor debe ser un gran bailarín, que siga el ritmo de la música (de flautas y percusión) pero, sobre todo, ha de usar un latín claro y disponer de una gran fuerza vocal, para que lo que dice llegue perfectamente a oídos del numeroso público.
Aviso de movimientos: los actores tienen siempre la deferencia de decir de dónde vienen cuando aparecen en escena, y a dónde van cuando se retiran. Y por supuesto lo hacen por la puerta correspondiente. Las salidas frontales y laterales del edificio teatral permiten articular todo el juego del movimiento escénico, y construyen la ficción de la obra. Apartes: un actor se dirige al público, o a otro actor, para comunicar algo que no debe saber, sin embargo, otro personaje que se encuentra a su lado en el escenario (y que por supuesto lo está oyendo) Ocultamientos: un actor solamente ve aquello que debe ver. Si al salir a escena no debe ver a otro personaje que se encuentra en ella, sencillamente no mira para él y no lo ve.
Los espectáculos eran anunciados mediante rótulos pintados en los muros exteriores de los teatros. Hombres y mujeres de todas las categorías sociales estaban autorizados a asistir a las representaciones teatrales, pero los espectadores no podían elegir libremente su asiento. La subdivisión del espacio en el edificio teatral ofrecía una imagen completa de la población romana, estructurada sobre la base de la existencia en ella de libres y esclavos, extranjeros y ciudadanos, diferenciando dentro de estos últimos entre la plebe y los órdenes de los senadores y los caballeros. La ubicación de los espectadores fue reglamentada mediante diversas disposiciones legales durante la época republicana, hasta culminar con una detallada ley promulgada por Augusto. Al parecer los esclavos podían asistir al teatro, pero con la prohibición de sentarse salvo que sobraran asientos, reservados para las personas libres. Los esclavos debían colocarse en la parte superior de la summa cavea, en la zona más alta del graderío. Ese es el espacio en el que se situaría también la plebe más humilde sin toga (pullati), así como las mujeres, aunque es posible que las esposas de caballeros y senadores pudieran acceder en compañía de sus maridos a las filas más próximas a la escena. De acuerdo con Suetonio, las vestales disponían de una ubicación especial frente a la tribuna del pretor, que presidía la representación. En cuanto a los niños, los pobres ocuparían como sus padres la summa cavea, pero quienes dispusieran de educadores privados serían colocados junto con éstos en lugares reservados del teatro. El grueso de la plebe ocupaba la parte principal de la media cavea, en la porción central del graderío, justo por encima de las filas de los caballeros. Es posible que hubiera sitios reservados para militares y tal vez también para veteranos del ejército, así como para los funcionarios públicos (apparitores) que trabajaban para los magistrados y para el emperador (escribas, pregoneros, alguaciles, etc.). Los soldados que hubieran sido condecorados con la corona civica por su valor disfrutaban del privilegio de sentarse inmediatamente detrás de los senadores, incluso por delante de los equites. Por lo que respecta a los extranjeros, aquéllos que disfrutaban en Roma de la condición de huéspedes fueron expulsados por Augusto de la orchestra, donde aparentemente habían disfrutado del privilegio de sentarse junto a los senadores durante la República tardía. Sin embargo, algunos embajadores, reyes y príncipes fueron autorizados con posterioridad a sentarse en ese lugar destacado (Tácito, Anales XIII 54). En cualquier caso, tales huéspedes oficiales siguieron disfrutando de asientos suficientemente honorables, aunque probablemente por detrás de los caballeros. En los asientos más próximos a la escena se ubicaban los miembros de la aristocracia romana, caballeros y senadores. En cuanto a los senadores, desde el año 194 a.C. se les reservó asientos separados del resto del pueblo. Durante las últimas décadas republicanas debieron de tener derecho a sentarse en la orchestra, justo bajo el escenario, privilegio que se recoge en la ley de la colonia hispana de Urso, sin duda redactada a imagen y semejanza de Roma. Probablemente se acomodaban en sillas movibles, tal vez con los nombres de sus propietarios pintados sobre ellas. La normativa introducida por Augusto confirmó la posición de privilegio de los miembros del orden senatorial, al decretar «que siempre que se diesen espectáculos públicos, la primera fila de asientos quedase reservada para los senadores». La reserva de plazas podía realizarse horizontalmente por filas (gradus) o verticalmente por bloques de asientos (cuneus). Las mismas gradas podían estar rotuladas con inscripciones o signos señalando los grupos o individuos a los que correspondían. En todo caso, la separación de los diversos ámbitos estaba clara, también desde el punto de vista arquitectónico. - El hecho de que el teatro constituyera una representación completa de la sociedad romana hacía factible su utilización como instrumento político, sobre todo a partir del siglo I a.C., como muestra Cicerón, quien afirma que había hombres públicos que eran recibidos en el teatro con aplausos o silbidos. El público mostraba su opinión mediante gritos, silbidos, signos con las manos, aplausos o silencios ostentosos. En época de Nerón se hicieron famosos los llamados Augustianos, una claque formada por aplaudidores profesionales al servicio del emperador. -La actitud de los espectadores es ruidosa: el personaje que actúa de prólogo debe pedir continuamente silencio, y que se estén sentados. Debe amenazar a lo desobedientes con que los lictores, armados de varas, los golpearán. Debe advertir a los esclavos que no se sienten en los lugares reservados para los hombres libres. Que se dé el pecho a los niños en casa, no en el teatro (buena muestra de que se hacía). Que los que tengan hambre no den rugidos como carneros. Que las señoronas guarden silencio, que rían con moderación y no molesten con su voz chillona. Que dejen sus conversaciones para casa, y que no hagan con ellas la vida imposible a sus pobres maridos también aquí, en el teatro.   TEATRO DE MÉRIDA 1.2. La comedia latina y sus autores I. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA COMEDIA LATINA Antes de la influencia griega, existía en Italia un teatro popular, que, tal vez por ser de transmisión oral o improvisado, se ha perdido. Sin embargo, creó tipos peculiares, que perviven en parte de los comediógrafos posteriores. El primer ejemplo de este teatro primitivo es la Atellana, que presenta ya algunos rasgos recogidos por la comedia italiana y algunos filmes cómicos modernos. Es una especie de farsa. Su nombre deriva del de la ciudad de Atella, pequeña ciudad de Campania, que disponía de un pequeño teatro, en el que actuaban, con máscaras, sus ciudadanos, sin que esto supusiera desdoro para ellos. -Sus personajes son convencionales y sus nombres expresivos reflejan sus rasgos físicos esenciales y sugieren su carácter: Maccus (tragón y estúpido); Buceo (bocazas y presumido); Dossenus (el jorobado, lleno de malicia); Pappus (el viejo maniático); Sannio (el payaso, el que hace muecas). - Los actores de las Atelanas inventaban previamente la intriga, después la lleva ban a la escena, en donde cada uno cumplía con su papel de acuerdo con su ingenio, sin repetir un texto determinado. -Estas farsas atelanas siguieron representándose en Italia, al final de los espectáculos teatrales, en recuerdo de este género tan popular antaño, cuando ya se había generalizado el teatro de origen griego. Además de las Atelanas, se había desarrollado en la Etruria otro tipo de teatro rústico consistente en simples diálogos, mordaces y licenciosos, en versos saturnios, protagonizados por campesinos con la cara cubierta por una máscara. La Comedia latina fue instituida, por decreto, casi en la misma época en que lo fue la Tragedia. Los ediles encargados de organizar los juegos públicos pedían a escritores de fama (Livio Andrónico, Nevio, Ennio,...) que adaptasen obras griegas para representarlas en los mismos. La fabula palliata está magníficamente documentada en las obras de los dos grandes cómicos de los primeros siglos de la República: Plauto y Terencio. Aunque la mayor parte de las obras dramáticas que nos han llegado están basadas en originales griegos, sin embargo la libertad en el trabajo de adaptación es total. Los autores latinos no sólo introducen situaciones nuevas y referencias a su momento histórico, sino que también utilizan en una misma obra argumentos de distintos originales griegos e incluso escenas de autores distintos. Este procedimiento se conoce con el nombre de contaminatio y es particularmente visible en las comedias de Plauto y Terencio. La fabula palliata se inspira directamente en la Comedia Nueva ateniense; se denomina así a la última fase de la comedia ateniense que se desarrolla aproximadamente entre el 325 y el 263 a. de C. Los máximos representantes de esta Comedia Nueva son Dífilo, Filemón y Menandro. Era una comedia de costumbres que reflejaba la vida privada de las clases acomodadas. En esta comedia burguesa la acción gira en torno a la vida y costumbres de una serie de tipos fijos: el esclavo avispado, el viejo avaro, el joven enamoradizo, soldados fanfarrones, cortesanas desenvueltas, doncellas honestas, etc. Las situaciones de la comedia nueva eran atemporales y se podían fácilmente adaptar a otro tiempo y a otro lugar. En las comedias de Plauto y Terencio, como en la zarzuela moderna, hay |
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