Los 250 discos de rock en las americas de todos los tiempos: 50 años de rock hispanoamericano en 250 álbumes
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| http://rockenlasamericas.b...e-la-noche.html 101 La Máquina de Hacer Pájaros La Máquina de Hacer Pájaros (1976) La Máquina de Hacer Pájaros era un proyecto de Charly García donde quería deshacer sus demonios que lo llevaban a adentrarse al rock sinfónico, convocando a músicos de primer nivel (donde destacaba el baterista Oscar Moro). Había una influencia de bandas como Yes o Emerson, Lake & Palmer aunque en un par de tracks hay un acercamiento al folk. El disco que fue lanzado con bombos y platillos en su natal Argentina no tuvo la repercusión en popularidad que esperaban aunque "Bubulina" y "Como mata el invierno norte" se convirtieron en himnos de culto. http://rockenlasamericas.b...pajaros-la.html 100 Hombres G Hombres G (1985) Tras la pobre acogida que tuvieron sus primeros singles, Hombres G se vio en la calle sin el auspicio de ninguna compañía tanto independiente como multinacional. Tras ese momento de incertidumbre, Paco Martín decide ficharles y editarles su primer LP bajo el sello Twins que acababa de fundar bajo el autotitulado "Hombres G". Se trataba de un disco de rock/pop con letras simples y entretenidas revestidas con efectivas melodías amigables para la radio; el cuarteto logra recuperar uno de sus primeros singles previamente editados ("Venezia"), que junto a la archifamosa "Devuélveme a mi chica" los catapultaría de la noche a la mañana en la nueva sensación pop del momento. También se atrevieron con algunas baladas como "No Llorare", "Vuelve a Mi", o "Hace un Año". Entre las curiosidades esta la inespeada ficción política "Matar a Castro", la cual describe con lujo de detalles como una niña le asestaría el golpe mortal al dictador liberando al pueblo cubano de la opresión. El resultado de Hombres G fue abrumador y lo suficiente para convertirlos en un fenómeno social que llena estadios al margen de la Movida madrileña. http://rockenlasamericas.b...-hombres-g.html 99 Dug Dug's Smog (1972) Los ritmos heterodoxos se mezclan en el infinito: lisérgicos, psicodélicos, transformados en colores que giran cíclicos, involuntariando a las víctimas de un ritmo pegadizo, incoherente, fugaz. Una mezcla exquisita de pies negros, de grito sublevado. Evocación abstracta del viaje por el subconsciente, montado en las barbas de Freud, en los lentes de Sartre y en las pestañas de Camus: como orfebres mecánicos de la simulación. Dug Dug´s sumergen su cabeza en la alcantarilla roquera, en el peliagudo y obsceno mundo de las tragedias y las fobias musicales. Piedra insoslayable de la música latina, del rock en libertad absoluta, en psicotrópico anhelo descolonizado, el grito tribal del México feto (bebé rock), México recién nato, México infante. Dug Dug´s y su humeante música (vaya a saber uno de que sustancia específica), es el eslabón principal en la cadena de acontecimientos para el crecimiento revitalizante de la música roquera mexicana. En completa y sincronizada independencia, pero con reminiscencias identificables: Grateful Dead, Cream, Iron Butterfly o The Who. Excelente e imprescindible. (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...smoke-1974.html 98 Todos Tus Muertos Dale aborigen (1994) Cultura popular, mate. Cultura aborigen, raíces. Cultura subasfalto, Todos Tus Muertos. Conectadas con raíces negras, aborígenes, gauchescas, lo que sea. Fidel Nadal y compañía, en su tercer disco, "Dale Aborigen", siembran la última semilla punk: el grito de rebeldía, de suciedad en los codos, y amenazan con no volver a pronunciarse nunca más. Anarquía vuelta canción, el espacio se abre entre gritos sublevados, de redención. La canción trasciende cualquier espacio, tiempo: oscilación etérea que nos une, nos hace hermanos. Somos los negros pies de plomo, los latinos que tocan bombos y hacen rituales. Los que tienen las mismas fachas, los mismos nombres. Los que luchan contra el imperio, en la narcotizante conexión a la estupidez. Todos tus Muertos reafirman, en este disco, el más importante de su carrera, su lucha eterna, su mensaje en los brazos de abrazo, en los lienzos con que se escriben las pancartas. Y suelta, como epílogo, a ritmo punk, hardcore, y por momentos rastafari, que hay que seguir luchando por la libertad espiritual. Manu Chao y Fermin Muguruza dieron la mano. (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...rigen-1994.html 97 Los Fabulosos Cadillacs La marcha del golazo solitario (1999) Hacía falta que sean conscientes de la calidad musical que su banda compone gracias a que Flavio Cianciarullo y Ariel Minimal formaban parte activa despojando a la clásica fórmula. El resultado es una mezcla de ritmos de variada intensidad, una poética infinitamente distanciada de la anterior (metafórica, metafísica, oscura) y arreglos de toda índole; una presencia más aceitada de los instrumentos centrales, bajo y guitarra, y un adoctrinamiento necesario a la aguardentada voz de Vicentico. Todo eso y una paleta inusitada de sensaciones es "La marcha del golazo solitario". De manera selectiva: postura tanguera, las bases melódicas jazzeras, la guitarra tintineante del funk, canciones con reminiscencias a la chanson francesa y el lujo prominente (necesario) del glam rocker. Es, la huella necesaria para una carrera con altibajos, marcada por el éxito abrasivo que, por momentos, los desvió del camino musical, llevándolos al hit radial de dudosa calidad técnica. Es, además, el perfecto acompañamiento a su predecesor disco "Fabulosos Calavera", como muestra tangible de un cambio rapaz. Ahh...también reconciliación con su público. (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...-la-marcha.html 96 Maná ¿Dónde jugarán los niños? (1992) Maná es la banda más "sistema" que ha tenido el género sin lugar a dudas. Su búsqueda por acomodarse en el lugar más placentero del mainstream los hizo romper con el tabú de la industria de la música en español de que una banda no vocal jamás podría superar en ventas lo conseguido por los solistas que suelen llenarnos las radios. Y es que la fórmula se concentraba en llevar el rock pachanguero a un nuevo standard ("Como te deseo", "La chula") acompañada de baladas romanticas de guitarra acústica ("Vivir sin aire", "Te lloré un río") y algunos temas sin potencialidad de sencillos donde había cierta crítica social. En momentos donde el rock buscaba influencias más profundas liderados por Mano Negra, ellos se conformaron con retransformar el concepto digerible de The Police. La fórmula funcionó tan bien, que no se atrevieron a cambiarla a lo largo de su discografía, y este disco se convirtió en el primero hecho por una banda en romper el millón de copias y es uno de los 100 discos más vendidos de los 90's en los Estados Unidos (de hecho el más vendido de los que contienen solo canciones en castellano). Respaldaron la comercialidad del "rock en español" aunque su credibilidad será discutible. (J.L. Mercado) http://rockenlasamericas.b...-ninos-wea.html 95 Kinky Kinky (2002) Sucio, desprolijo, caliente, fuerte, distorsionado. La música de Kinky es una desembelesada versión de los hechos a través de una candente mirada explosivamente atrapante. Un sin cesar de sonidos producidos a través de varios instrumentos, sobretodo, la marca indeleble de la guitarra que nos hace recordar que este es un subgénero del rock; fuera de ello creeríamos que esta banda de Monterrey ha descubierto una forma de entregarnos música bajo un nuevo rótulo. Fusionando música electrónica con rock, se animan a entrarle sin escrúpulos a la cumbia, el funk, el techno más insostenible y las canciones románticas. En su primer trabajo, nos entregan en generoso muestrario el alcance musical que los engloba. No tan desenfadados ni histriónicos como sus coterráneos de Plastilina Mosh, pero igualmente se animan a ironizar la realidad con pinceladas de humor, a través de una lírica bastante pegadiza. Mezclando eclécticos movimientos con bailables melodías conjugan un innovador sonido que le dio fama internacional. "Kinky" de 2002 es un breve muestrario, primitivo desde donde despegará la banda para desencajarnos con su alocada música. (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...kinky-2002.html 94 Ángeles del Infierno Pacto con el diablo (1984) Si Barón Rojo fue la banda española de heavy metal que conquistó la parte sur de Latinoamérica, los Angeles del Infierno sería los que conquistarían la parte norte (al punto de ser más adorados en México y parte de Centroamérica que en su España natal). La influencia de Judas Priest en su sonido era evidente aunque destacaron por ser los primeros en usar referencias diabólicas en el mainstream y su canción "Maldito sea tu nombre" podría sugerir ello, jugando con cierta ambigüedad; sin embargo, nada fue impedimento para que se convirtiera rápidamente en un himno headbanger hispano. Otras grandes canciones son "Rocker" y "Sombras en la oscuridad". Aunque su popularidad se mantiene en los círculos metaleros, es casi unánime que su disco debut ha sido difícil de superar para la banda. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...cto-con-el.html 93 Los Pericos Mystic Love (1998) La recuperación sonora y estética de una banda que permanecía díscola en las radios de quinceañeras con póster en las manos y frenesí desmedido. "Mystic Love" representa el cambio, no tan radical, pero cambio al fin, de Los Pericos. ¿Es experiencia vivida o hastío? Es afrontar el cambio con madurez y solidez interpretativa. Es dar vuelta una página en la que los encontrábamos dando recitales en discotecas juveniles a los gritos desesperados (y desgarbados) del Bahiano. Debiendo reeditar en nuestro subconsciente cualquier prejuicio pasado, lo cierto y lo bueno del disco es que huele más a porro: en el sentido más rastafari. Esa recuperación mencionada tiene que ver con esto. Con volver a los valores por los cuales alguna vez fueron catalogados bajo el rótulo "banda de reggae". Canciones tímidas, atisbos de grandilocuencia rasta, dejan sorprendido a más de uno y hacen levantar el oído para prestarle más atención. De paso se ganaron la atención internacional. (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...-love-1998.html 92 Sui Generis Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (1974) Sui Generis siempre fue la banda diferente, pero esa diferencia lo puso a un mayor contacto popular que otros grupos de aquellos tiempos. En el tercer trabajo de “Sui Generis” se la jugó: fue a lo complejo, se impuso retos e ir a lugares adonde nadie quien los había encuadrado como unos hippies folkies se hubiera imaginado. "Pequeñas anécdotas sobre las instituciones" fue en muchas maneras el disco evolutivo en la carrera de Charly García, y también fue el que los reconectó con la escena. Irónicamente no eran los mejores momentos para hacer música abiertamente crítica, y el precio de la censura (o autocensura desde su compañía discográfica) le terminaría dando un mayor crédito en el paso del tiempo. Coqueteos progresivos, rock n' roll salvaje, y música folk con más pies sobre la tierra que nunca, terminaría cerrando de manera majestuosa el recorrida de una de las bandas más importantes de la primera gran era del rock hispanoamericano. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...otas-sobre.html 91 Divididos La era de la boludez (1994) Es uno de los discos que son capaces de adquirir forma antropoide, de saltar de los parlantes para dar pelea al oyente. "La era de la boludez" es un muestrario inagotable de sonidos eclécticos, de forma repetitiva, incansable. Mollo, Arnedo y Gil Solá pueden desplegar su estado puro de fiebre estética; cada arreglo minucioso es perseguido por una suerte de margen para el delirio (aunque se trate de la canción más melosa y silenciosa), siempre latente la sensación de poder, en donde despliegan su verba estrepitosa, su rima incongruente, su poder de aprehensión a las nuevas normas, su hilaridad, su compromiso ineludible por el sólo hecho de ser latinoamericanos. Se combina en un cóctel explosivo a Hendrix, Atahualpa Yupanqui, Parliament Funkadelic y a sus orígenes -Sumo- en la batidora musical, que adquiere la forma de nuestra cabeza, de nuestros sentidos. De ser barro y tierra aborigen, de ser uña de civilizaciones colonas, de ser parte del mercado industrial, de ser hombres de opinión y bandera. Firma Santaolalla. (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...ludez-1993.html 90 Gustavo Cerati Ahí vamos (2006) Tras una larga temporada de lanzar álbumes experimentales que le costaron a Cerati un poco su aceptación por los críticos como ícono del rock latinoamericano, el rockero argentino finalmente decide volver apostar por un álbum que no solo es lo suficientemente rockero sino también comercial y accesible para complacer a todos los fans, desde los más recalcitrantes hasta los recién llegados. "Ahí Vamos" es una colección de 13 temas que hablan de amores, desamores, tristezas, melancolía, arropadas con potentes guitarrazos que nos traen de regreso a un Cerati que ya habíamos olvidado. Quizá el éxito de la placa radica en el buen desempeño que tuvieron sus cuatro sencillos entre los que están la elegante balada "Crimen", algo inusual en su carrera, y "Adiós", elegante y memorable a la vez por sus hermosas melodías. El reconocimiento se vio reflejado no solo en que la industria de la música pop finalmente pudo desligarlo de su trabajo con Soda Stereo sino de las distintas premiaciones y ensalzamiento por parte de la crítica internacional. (David Delio) http://rockenlasamericas.b...avo-cerati.html 89 Babasónicos Infame (2004) La carrera de Babasónicos tiene un parte aguas tras el lanzamiento de "Jessico", la placa que les ganó fama, notoriedad y otorgó el respeto de la crítica, el dilema entonces era como debía sonar su siguiente trabajo. La banda optó por continuar con la fórmula exitosa de la anterior y aunque en apariencia se decantaron por sonar simples y hacerse mucho más accesibles, la verdad es que con "Infame" se pulieron y perfeccionaron las letras y su sonido hasta hacerlo una marca registrada. El álbum tiene una mágica y elegante gracia natural y su sonido deambula entre el glam, el pop, el rock, y las típicas baladas latinas alcanzando su cota máxima entregando buenas canciones una tras otra, no solo logrando sobreponerse al éxito comercial de "Jessico" sino que alcanzaron la merecida consolidación estableciendo un sonido propio que daría la pauta a seguir en el futuro, simplemente una joya de nuestros tiempos. Destacan "Putita", "Irresponsables" y "¿Y qué?". (David Delio) http://rockenlasamericas.b...cos-infame.html 88 Rodrigo González Hurbanistorias (1984) Tristemente las leyendas del rock pasan sea por una trágica vida llena de excesos de drogas y alcohol o por los azares de una muerte igual de trágica. Pero por alguna razón el legado que dejan puede ser tan profundo y significativo que ni siquiera el pasar del tiempo puede borrar sus huellas (en el invierno). Este es el caso de Rockdrigo Gonzales, quien con solo un disco de estudio ha influenciado a tantos artistas y bandas particularmente en México. Sus canciones siguen creando eco y moviendo filas de apasionados melómanos. "Hurbanistorias", le hace justicia a un músico entregado y empecinado a contar sus propias historias y refinar el insípido rock mexicano de principios de los ochentas. Quizá la canción más popularizada del disco sea "Estación Del Metro Balderas", aunque irónicamente no fue el propio Rockdrigo quien la hiciera conocida sino su amigo Alex Lora de El Tri. Con su voz ronca y aguardentosa, Rockdrigo era capaz de recitar melodiosos y contestatarios poemas urbanos. Más cercano al folk y al blues que al rock mismo, doce canciones redondas y sacras, que marcan el pulso y el nuevo rumbo de la canción urbana en Latinoamérica. Sin lugar a dudas hace falta más de un terremoto y una pila de escombros para sepultar el alma indómita y consecuente de un artista que pintaba para convertirse en una gran estrella, al cual solo le alcanzó para convertirse en leyenda. (Demon Balooni) http://rockenlasamericas.b...anistorias.html 87 Héroes del Silencio El mar no cesa (1988) Entrando en la última parte de los ochenta, el panorama musical en español estaba dominado por bandas de plasticina y de hits fáciles como G.I.T o Neón, además del inicio del burdo "Rock en tu Idioma", y La Movida en España había comenzado a dar muestras de flaquezas. Entonces aparecía en el horizonte para hacerle frente a tanta frivolidad una banda originaria de Zaragoza que venía de grabar unos EP que sorprendieron a todos incluso a la EMI por lo que la disquera les apresuró para completar el material y convertirle en un LP: nace entonces "El Mar No Cesa". El álbum se convierte en multiplatino en ventas en España y los coloca a la altura de supervendedores como Mecano y Hombres G. El tema central del disco yace en su título ya que todos los temas radican de alguna manera alrededor del mar, tal y como diría el propio Bunbury que en cada uno de los textos salía el mar o el agua. Es un trabajo bastante sólido, muy ochentero, en donde las guitarras tienen un papel fundamental, arpegios con influencia new wave llenas de eco, buenas armonías, ciertos matices de pop con cierta potencia que llega a merodear dentro de las fronteras del metal junto a la voz de Bunbury que aun se estaba puliendo pero que ya daba muestras de la enorme calidad que atesoraba, fue un disco fundamental para que la banda tomara la confianza necesaria para poder perfeccionar sus futuras entregas. El disco cuenta con la joya atemporal "Héroe de Leyenda" que se volvería básica e infaltable dentro de su carrera. (David Delio) http://rockenlasamericas.b...ar-no-cesa.html 86 Miguel Ríos Rock & Ríos (1982) Es curioso referirnos a un personaje tan ambiguo como Miguel Ríos, pese a presentarse como uno de los próceres del rock en español, es más bien característico su acercamiento a la música ligera (sus canciones más memorables son "El río" y "Santa Lucía", dos buenos temas pero lejos de la estratósfera del rock; y es bien conocida su acercamiento artístico a artistas emblema de la música española como Ana Belen, Victor Manuel o Serrat). Sin embargo, ¿por qué hay que buscarle razones para cuestionarle? Probablemente no haya otro tipo que se haya esforzado por hacer del rock un género popular en Iberoamérica como Miguel Ríos, y es que dejándose llevar por esos años de rock and roll, el español prácticamente luchó contra todo para consagrar el "rock de estadio" y vaya que la respuesta fue notable. "Rock n Ríos" es la concreción grabada de un proyecto por conquistar el mundo con el rock, su sueño también incluía darle la mano a otros artistas que por ese entonces poco conocidos como Leño (del cual incluía "Maneras de vivir") u homenajear a otros que merecían mayor crédito popular como Moris (incluyendo "Sábado a la noche"). Incluía la participación de músicos de gran nivel como Tato Gómez (que fue parte de los chilenos Embrujo) y Thijs Van Leer (de Focus). Las canciones fueron una gran "bienvenida" a una generación hispanoparlante que aún no relacionaba bandas locales con el género y consagró a Ríos como un verdadero showman del rock. Luego Ríos, se concentraría en la búsqueda del talento latinoamericano para consagrar una gran escena (incluyendo a Charly García y a El Tri) y aunque su sueño de unidad rockera la terminarían sembrando otros, el disco quedó como fiel vestigio del principio de un futuro boom que nadie se atrevió a predecir... (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...lydor-1982.html 85 Zurdok Hombre sintetizador (1999) "Hombre sintetizador", disco de 1999, grabado, editado y distribuido por Zurdok es la mejor muestra de esta nueva idea de rock universal, ya no como representación fija de un lugar en el mundo, de una idea nostálgica en pancarta. Si existe una línea auditiva, imperceptible, que traza y engloba el rock en nuestro idioma, esa, es entendida con influencias omniscientes de las raíces de canciones remotas, de folclóricas invenciones que amasaron y redefinieron el concepto. Con el correr de los tiempos, esta música se metamorfoseó y atomizó en infinitos subgéneros que le otorgaron aliento, nuevos aires y fricciones carnales a la música latinoamericana. Esas influencias provenientes principalmente del norte o del otro lado del charco, otorgaron tecnología, mecánica y valores que, en algunos casos (muy pocos diría con certeza), desprendieron nuevas bandas, nuevos conceptos, nueva música, música revitalizante. Zurdok es el ejemplo más actual de esta teoría. Una banda que reivindica la música de nuestro idioma desde la Avanzada Regia pero que dota a sus canciones de cierto aire anglosajón: en la arquitectura, en la hechura poética, en el sentimiento arraigado de sus odas. Sin temerle al intento fallido, desvelan sus rostros ante los principios tecnológicos y ante los arreglos fulgurantes, megalomaníacos, apoteóticos. Las cuerdas, nuevos instrumentos no convencionales (escuchar sino el bluegrass de "¿Cuántos pasos?") y las invenciones electrónicas, imperceptibles que acallan y proclaman: - "somos lo nuevo, escúchenme". http://rockenlasamericas.b...zador-1998.html 84 Los Amigos Invisibles The New Sound of the Venezuelan Gozadera (1998) The New Sound Of The Venezuelan Gozadera es el perfecto ejemplar de la mezcla del funk, bossa nova, dance, electro eclético y gozón que ofrecen Los Amigos Invisibles. Viva muestra de su humor negro y erótico, de sus pegajosos ritmos que invitan al pecado. Pecado sería no escucharlos y reconocer su fabuloso talento. Canciones como "Ponerte en cuatro" o "El disco anal" se han convertido en clásicos del latin alternative, pero este disco es amplio y generoso en todos los sentidos. No por nada Los Amigos son la banda más sobresaliente de Venezuela. ¿Qué puedes esperar de este disco? La risa y la sorpresa fortuita, una delirante combinación de ritmos latinos apropiados para cualquier hora del día pero que seguramente ven su máxima euforia en una noche bajo la luz de una bola de espejos. Agradecimiento aparte a David Byrne por darles el espaldarazo (aparte de ser el productor ejecutivo del disco), así como a Andrés Levin que tenía un papel más importante en la música alterlatina y a músicos de sesión entre lo que se encuentra Arto Lindsay. (Demon Balooni) http://rockenlasamericas.b...w-sound-of.html 83 Soda Stereo Doble vida (1988) Grabado y mezclado en Nueva York y con producción del guitarrista de David Bowie en aquel entonces Carlos Alomar, la banda edita un álbum donde su coqueteo con los ritmos latinos y el funk arrojaron resultados disparejos. Cuando se lanzó "Doble Vida", Soda Stereo era considerada la banda de rock más importante de Latinoamérica, por lo cual se esperaba un trabajo que estuviera a la altura de tal distinción; y a pesar de que el álbum carece de la consistencia de su entrega anterior, eso no le resta el mérito e importancia que se merece. La placa contiene algunas de las más memorables y hermosas canciones de la banda como la introspectiva "Lo Que Sangra (La Cúpula)", la genial "Corazón Delator", la curiosa "Picnic en el Cuarto B", y la archifamosa "En La Ciudad De La Furia" cuyo excelente video fue nominado a los MTV Video Music Awards en su categoría internacional. Alomar logró darle al álbum un tímido y leve sonido similar a lo que hacía Duran Duran por aquel entonces de la mano de Nile Rodgers, y como peculiaridad se incluyó una sección de instrumentos de viento en muchas canciones para darle un sabor a la banda que no había tenido antes y que nunca más volvería a tener. Así Soda decía adiós a los 80’s y preparaba el camino para su obra cumbre que vendría dos años después. (David Delio) http://rockenlasamericas.b...doble-vida.html 82 Los Prisioneros Pateando piedras (1986) Llegados los 80’s para Latinoamérica habían pasado años de encarnizadas luchas, represiones y desigualdades sociales; eran las épocas en que las dictaduras militares regían y sometían con mano dura y todo lo que atentara contra ellos estaba mal visto. Surgen entonces movimientos musicales contestatarios que buscaban eso, contrarrestar la fuerte represión que el gobierno tenía sobre la gente. Y es en medio de todo este caos que Los Prisioneros emergen en la escena musical de un convulsionado Chile, su mensaje social y su desafiante postura les valió la férrea censura de la dictadura militar de Pinochet. Sin embargo no fue impedimento para que la banda vaya ganando cada vez más adeptos y es que la gente se sentía fuertemente identificada con el mensaje de rechazo al régimen militar que la banda pregonaba y que por aquel entonces mantenía subyugado al país. Dentro de este turbulento panorama aparece en el verano de 1986 la segunda producción de la banda llamada "Pateando Piedras" Aquí la banda da un gran paso en cuanto a evolución musical ya que el uso de los sintetizadores le da nuevos brillos al sonido de la banda apartándose del típico cliché de guitarra-bajo-batería. La nueva propuesta los lanza al estrellato y los posiciona como una de las mejores bandas sudamericanas del momento, tal era su popularidad que muchas de las canciones del álbum se convirtieron en himnos de protesta gracias a la fuerte crítica social que contenían, ante lo cual el gobierno militar los considera como una mala influencia a la juventud, desencadenando una fuerte censura en contra de la banda dentro de los medios de comunicación al extremo de impedir uno de sus conciertos. Destacan los temas "Muevan Las Industrias", "Por Qué No Se Van" y la joyita de la placa que es "El Baile De Los Que Sobran", el cual irónicamente era un tema de relleno pero que por azares del destino resulto ser el más emblemático en la carrera de la banda. Una banda camino a la consolidación. (David Delio) http://rockenlasamericas.b...do-piedras.html 81 Los Planetas Una semana en el motor de un autobús (1998) Los Planetas eran considerados una de las cartas principales dentro de la escena independiente española que luchaba por establecerse y alcanzar mayores audiencias. Si bien sus álbumes anteriores eran buenos, fue con "Una Semana en el Motor de un Autobús" de 1998 que lograron unos de sus mejores y muy bien balanceados trabajos; el sonido es peculiar, no hay una guitarra rítmica o principal distintiva, ni tampoco hay solos. Claro que se pueden escuchar pinceladas de psicodelia sesentera muy a The Birds, un poco de R.E.M. por aquí, otro poco de Ramones o Lou Reed por allá. Además el bajo le da un elemento melódico extra a las canciones, arropadas consistentemente por la batería como el motor sonoro que termina de agregarle dinamismo a los temas. Las letras son muy consistentes por lo que se percibe la evolución de la banda, y cabe destacar "La Copa de Europa” cuyo encanto es la sección de cuerdas, "Ciencia Ficción" de sonoras y vibrantes guitarras melódicas que le brindan un acertada similitud al sonido de la guitarra de Peter Buck, así como "Cumpleaños Total" y "La Playa" que son dignos ejemplos de una placa cuyo esfuerzo ha valido la pena y que los volvería en referentes a seguir en años venideros para bandas de Granada y toda España. (David Delio) http://rockenlasamericas.b...n-el-motor.html 80 Enanitos Verdes Big Bang (1994) Cuando la banda parecía perderse en los márgenes que significaba ser una banda radial del rock en español, aparecen con un disco que les devuelve a una segunda vida. Las canciones son más guitarreras y potentes pero sin perder los característicos ganchos que se asocian a la banda. Algunos se atrevieron a comparar esta producción con el disco "Canción animal" de Soda Stereo, pero sería injusto decir que este se deba únicamente al primero. Con este disco, no solo pudieron conquistar el mercado hispano en Estados Unidos (algo inusual para las bandas de rock en español) si no que canciones como "Mi primer día sin ti", "Celdas" o "Mejor no hablemos de amor" fueron coreadas por la gira continental a la que se montó la banda en los meses siguientes. Aunque, sin dudas, la canción más exitosa sería "Lamento boliviano", un tema que evoca cierto misticismo, y que en realidad se trata de un cover perteneciente a una banda de rock ochentera de su ciudad local Mendoza llamada Alcohol Etílico. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...g-1994-emi.html 79 Plastilina Mosh Aquamosh (1998) Cuando una propuesta como la de Plastilina Mosh aparece en la escena no parecían encajar con algunos de sus contemporáneos. Sin embargo, se colaron entre la llamada escena "latino alternativa" y aprovechando su cercanía a la frontera estadounidense, se convirtieron en una curiosidad de culto (que se gozó hasta en Japón) donde en vez de hispanizar un concepto a lo Beck lo hicieron spanglish, lo que era tan bizarro a uno como a otro lado de la frontera. Pero con ello había una carga lúdica muy fuerte, y eso se hacía evidente en los diferentes videoclips que acompañaron los sencillos desprendidos, donde destacó la casi inintendible "Mr P. Mosh", canción que con el apoyo de la entonces más alternativa MTV Latinoamérica y se convirtió un éxito en los circuitos del "rock en español", hasta ahora recordada. Si bien el disco en su conjunto juega con la música electrónica, en realidad existe mucha experimentación con el jazz, el funk, el soul, o simplemente jugando a ser raperos entre sampleos. Toda esa mezcla la convertía en una fiesta bizarra que cuenta como productor a Jason Roberts (relacionado a trabajos de rap como de bandas como Cypress Hill, Delinquent Habits o Control Machete) y la colaboración de Café Tacuba en "Bungaloo Punta Cometa". El disco definió la llamada "Avanzada Regia" y aunque no hubo algún otro artista que se los acercara, probablemente bandas como Kinky le deben mucho bajo la evolución del alternativo bailable. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...h-emi-1998.html 78 Various Artists Amores perros (2000) [Compilation] La banda sonora de Amores Perros marcaba un nuevo hito en el irregular historial de los soundtracks de películas latinoamericanas. La producción giraba en 2 álbumes distintos. El primero que era básicamente las canciones incluidas en la propia película (y que incluía famosas canciones como "La vida es un carnaval" de Celia Cruz o "Long cool woman" de The Hollies, asi como temas instrumentales a cargo de Gustavo Santaolalla -que junto al director de la película Gonzáles Iñarritu escogieron todas las canciones del film). Pero es el segundo disco, el que trae cola (y que en edición limitada se vendió por separado como "Tributo a Amores Perros"). Este disco trae temas inéditos de la escena que giran con la temática oscurista de la película. Es así como podemos oír a una catártica Julieta Venegas, o escuchar los temas siameses de Café Tacuba "Aviéntame" y "Dog:God", entre otros artistas que representaban una etapa de transición para la escena rockera donde pocos sobrevivirían, y el mainstream cobraría el precio de la década pasada. Un deleite variopinto que reflejaba los sonidos álgidos que terminaban con la era Santaolalla dentro del rock en español, y que lo llevaba al productor hacia una carrera como instrumentalista de lujo en Hollywood. Asimismo, el rock y la música alterlatina paso a ser canción obligada en cada banda sonora en la región. Bonito legado. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...-sonora-de.html 77 Café Tacuba Café Tacuba (1992) Esta es su carta de presentación: "Esto somos. Somos Café Tacuba". Hacen eso y no hay nada para reprocharle. El mensaje es claro: son una mezcla deforme de la maquinaria underground que en su sangre tienen clavado el ritmo mariachi, el agite corporal, la variedad de ritmos bailables. Si bien, con el correr de los años su mutación periódica excede cualquier tipo de comentarios porque, cada vez que se reinventan lo hacen de una manera formidable. Esa metamorfosis anacrónica que acaba con los mismos resultados: la variedad, la variación, pero que siempre guarda un lugar estelar esa fórmula indeleble, el ritmo sostenido. La imposición coral que acompaña los histéricos gritos de Rubén (el entonces Pinche Juan, y futuros Cosme, G3, Gallo Gass, Sizu Yantra, etc), las huellas tintineantes de una guitarra en marcapasos, los arreglos folclóricos y la rima, prosa, pegadiza, capaz de crear nuevos vocablos, nuevas terminologías para hablar sobre ese lenguaje mismo: el metalenguaje cafetacubiano. Entonces, esta carta de presentación es su más pulida obra, el Café Tacuba invisible, transparente, el primitivo, el diorama tangible. No es la bestia magnética de estos tiempos, no es el identificable por sobre la mutación. Grandes clásicos prematuros: "María", "Chica banda", "Las batallas". (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...afe-tacuba.html 76 Sumo Divididos por la felicidad (1985) Luca Prodan fue un italiano que vivió intensamente una parte de su vida en Londres drogándose hasta reventar y asistiendo a cuanto concierto de rock pudo. Llegó el momento en el que su organismo no pudo más, por lo que a manera de terapia es invitado por un colega a que visite la Argentina como escape a su adicción. Años después, establecido, formaría una de las más grandes y legendarias bandas: Sumo. Uno de sus directos fueron vistos por un productor de la CBS que les ofrece un contrato, y es así como llega el debut discográfico "Divididos por la Felicidad", el trabajo salió en formato de vinilo pero previamente se había editado en casete. Curiosamente el título del álbum hacía referencia a una de las bandas preferidas de Luca (Joy División); vaya ironía la que el destino le jugó al pelado. El disco es una combinación bizarra, un híbrido de todas las influencias de Luca y de la banda en general. Reinventaron a su modo géneros como el new wave, el punk, y especialmente el reggae, descargando mucha ironía y sobre todo excelente rock, bien compactado con la punzante y garrasposa voz bañada en alcohol de Luca interpretando esas raras pero a la vez encantadoras letras principalmente en inglés en este recordado debut, aunque destaca "La Rubia Tarada", hit indiscutible con reminiscenias a The Clash, y la mítica "Mejor No Hablar de Ciertas Cosas", básica en cualquier recopilación iberoamericana que se jacte de conocedora de buen rock. Comenzaba asi la leyenda de uno de los personajes más emblemáticos y pintorescos del rock. Por desgracia y al igual que figuras como Cazuza o Ian Curtis, fallecerían en forma trágica y prematuramente dejando ese sentimiento de orfandad con la certeza de que tenían tanto que ofrecer, de ahí la inmortalidad pero es otra cosa. (David Delio) http://rockenlasamericas.b...-felicidad.html 75 Los Locos del Ritmo Rock! (1960) Antes que Soda Stereo, antes que Charly García, o Spinetta en Almendra. Antes que Los Gatos, antes que Miguel Ríos saliera a escena como Mike Ríos y poquísimo antes que Los Teen Tops lancen su primer LP donde contenían "La Plaga", traducción del "Good Gooly, Miss Molly" que hizo bailar a todas las fiestas juveniles clasemedieras hispanoamericanas, Los Locos del Ritmo aparecían a la escena con la primera producción que contenía temas en castellano y que podía resultar como un efecto gratificante luego del éxito del chicano Ritchie Valens, en su adaptación de "La Bamba". Pese a que es una producción fundacional (es el primer LP de rock en español de...LA HISTORIA de cualquier lugar del mundo), muchos contadores de la historia del rock lo han depreciado acusando al álbum como un mero recopilado de refritos o en su lugar canciones demasiado inocentes que poco tiene que ver con la actualidad. Lo peor de todo es que muchos de estos tipos, ni siquiera le dieron una oída al disco antes de emitir una opinión. ¿Aciertan con sus afirmaciones? Con el mismo argumento, podríamos tirarnos abajo la mitad de producción de rock n roll de toda la historia. Asi que veamos.. La grabación se realizó entre finales de 1958 y mediados de 1959, en una época donde había una curiosidad de los jóvenes latinoamericanos por grabar canciones de aquel ritmo proveniente de Estados Unidos, pero que en cuyas tierras aun la industria no le llamaba mayor atención, porque lo de aquí era el bolero, Javier Solis, o sino el mambo. Una vez grabado Orfeón, decidió guardar el master del disco y no le prestó mayor atención. Permanecería asi cerca de un año, hasta que se decidió lanzar timidamente la canción "Yo no soy un rebelde" de la radio, teniendo mayor recepción de lo que se pensaba y animando a la disquera a lanzar el álbum en 1960. Su competencia, la CBS, en contra-respuesta lanza a Los Teen Tops, pero con toda la maquinaria multinacional que tenían en la época. El resto, es historia... El álbum contiene 12 temas, de los cuales la mitad si son covers (incluyendo "La Cucaracha" y "Pedro Pistolas"), pero que se han convertido en un testimonio fundamental para comprender como el género fue asimilado en la región, y como el impetu del rock trascendió época y actitud. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...960-orfeon.html 74 Ozomatli Ozomatli (1998) Como un ritual pagano donde algunos hombres ennegrecidos bailan descalzos una danza sin fin. Este disco es representación de nuestra vida (la de los tercermundistas, los denigrados, nosotros) en este mundo. El grito primitivo de la revolución: de almas, de idiosincrasias, de esperanza. La cumbia de todos tus muertos. En ese recuadro áurico se encuentra el disco debut, homónimo, de Ozomatli. El ritual, la música que bailan incansablemente en esas murgas prodigiosas, sincopadas, que se repiten infinitas como un diorama incandescente. Es la versión primitiva de nuestra esencia, la que nos mancomuna como parte de una misma enseña: como la letra ñ (pero en un mundo spanglish), como el color de nuestra piel, como la simbiosis explosiva que nos une en el grito de libertad siempre incierta, infringida por el imperio. La expresión más tenue y simplona, la naturaleza versus la invención humana. La sutil y libre expresión conferida cognitivamente a los sentimientos más intrínsecos que, indefectiblemente, chocan contra la maquinaria, contra la fuerza de gravedad. En ese colapso se encuentra su música, el intermedio exacto entre la más primitiva sensación y la rudimentaria invención del hombre. "Melting pot", mezcla infecciosa que los convertiría en la respuesta norteamericana de lo que sucedía en Latinoamérica. (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...matli-1998.html 73 Los Rodríguez Palabras más, palabras menos (1995) Este disco es un álbum de fotografías, coleccionables imágenes de pegatina. Al recorrerlo figurativamente se nota (la mano de Calamaro) que toda esa colección no fue colocada caprichosamente, es parte de una selección concienzuda, específica, apuntada a redefinir vaivenes emocionales. Como cuando se recorre un álbum familiar: los recuerdos, las vivencias, los anhelos y el devenir microscópico de ese momento lejano, pero tácitamente sin igual, donde se presta a dislocaciones emotivas y un "tira y afloje" de sensaciones experimentadas. Probablemente la pluma de Andrés Calamaro, todavía no reconocida con lauros en su propio país, se vio potenciada con el soporte de una banda sin fisuras: pareja, compacta. Pareciera, al escuchar "Palabras más, Palabras menos" que preso de una ósmosis espiritual, fluye la tinta y música en una completa armonía. Es, sin dudas, el disco imprescindible de la banda ibero-argentina. El sello culmina impreso en canciones de tratamiento pegadizo, apuntadas, inherentemente al éxito, a un infinito devenir, incansable, inclaudicable. ¿Argumentos? Las baladas indisolubles, poética próspera y esperanzadora, mensaje culmine. El beatnik recuperado, la marcha conocida del rocanrol en su faceta bailable. El último registro antes de una separación inesperada. (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...s-palabras.html 72 Los Fabulosos Cadillacs El león (1992) Álbum básico tanto dentro de la historia de la banda como de la historia del rock argentino, gracias a la encantadora fusión entre el rock, el reggae y los ritmos latinos como la salsa. Lanzado en agosto de 1992, "El León" en su momento no fue un éxito de ventas, aunque su singular encanto no necesariamente radicaba en lo comercial sino en la transición que marcó en la carrera de la banda y, por supuesto, en la calidad de las letras y el dinamismo creativo de las melodías, cuya muestra contundente arrojó varios clásicos dignos del género como el drama urbano en "Manuel Santillán, el león" de donde se extrae el nombre del álbum. Su coqueteo con la salsa en tracks como "Carnaval Toda La Vida" y "Gitana", así como su adaptación del tema "Desapariciones" del maestro Rubén Blades, influencia total presente a lo largo del disco, y cuya canción habla acerca de las víctimas de la represiva dictadura argentina. Definitivamente, de los tracks más conmovedores del álbum. "Soledad" tiene cierta líneas de guitarras sacadas de algún track de U2 de la época, "Cartas, Flores y Un Puñal", una graciosa parodia a la new wave con una burlona y sarcástica letra que recuerda el sonido de aquellas bandas británicas de ska de principios de los 80’s. Cabe destacar que la edición limitada en vinilo contenía unicamente 12 tracks a diferencia de la edición en CD que es la que contiene los 15 tracks que aparecen acontinuación, con todo y la versión salsa de "Manuel Santillán, El León". (David Delio) http://rockenlasamericas.b...cs-el-leon.html 71 El Último de la Fila Enemigos de lo ajeno (1986) El Último de la Fila es una banda que iba creando gran expectativa en la medida que Quimi Portet y Manolo García habían pasado a ser creadores de hits de verano (desde su banda anterior Los Burros) a una banda más interesada en como cruzar su sonido pop de guitarras con un encubrimiento de influencias notoriamente andaluzas. Aunque no eran los primeros en traer la fusión flamenca a la música contemporánea, si eran los primeros en la época que acontecía en España la movida madrileña y su agresivo impacto pop a la sociedad post-franquista. El disco componen 10 temas que destacan por la madurez de sus letras y las inquietudes musicales mencionadas previamente; muchas canciones fueron considerados rapidamente como himnos, en especial, "Insurrección", una declaración de intenciones que se ha convertido en la canción más emblemática de su carrera. Letras que cruzaban entre la reflexión y el pesimismo hacían identificar a un público que recibía música rock de tendencia más bailable y de mensaje más directo. La crítica adoró el disco, que destacaba en el boom, aunque muchos de los temas serían regrabados en "Nuevas mezclas" editado al año siguiente. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...igos-de-lo.html 70 Zoé Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea (2006) Tras haber logrado la consolidación y obtenido el beneplácito de la crítica, la banda mexicana se encierra por casi un mes a grabar su siguiente placa de la mano del productor inglés Phill Vinall con el que logran darle forma al "Memo Rex Commander y El Corazón Atómico de la Vía Láctea", un largo y curioso nombre difícil de recordar el cual tiene una onda muy psicodélica que gira en torno a tópicos como la depresión, la melancolía, la apatía, la tristeza, y el desencanto. El disco está basado en las peripecias del personaje "Memo Rex" que se lo representa por el primer track del álbum y cuya bizarra imagen fue obra del diseñador Iván Krassoyevitch quien lo plasma en la portada. Aquí las letras son más profundas que las anteriores entregas e inspirada casi en su totalidad por la ciencia ficción y el mundo totalmente digitalizado en el que vivimos. A pesar de las opiniones divididas de la crítica de que el álbum era muy homogéneo y carecía de potencia y textura, este tuvo la capacidad de lograr debutar en el primer lugar de las listas mexicanas en donde permaneció por casi un mes, en parte gracias a la buena acogida que tuvo el primer single "Vía Láctea", que dicho sea de paso ha sido el álbum más ambicioso y exitoso de la banda y por ende el que les permitió por fin trascender más allá de las fronteras mexicanas. (David Delio) http://rockenlasamericas.b...el-corazon.html 69 Sui Generis Confesiones de invierno (1973) Para muchos, este disco significa el punto cumbre del folk rock en América Latina, ¿pero se puede decir lo mismo de Sui Generis? La verdad es que no resulta ni tan intimista como el "Vida" ni tan atrevido como el "Instituciones..", pero no por ello resulta genial y que en la actualidad pareciera vérsele más como un conjunto de clásicos. En este segundo disco de la banda, se iba a ir notando la efusividad de Charly García, no solo por escribir las mejores letras sino por su mayor disposición a salirse de lo cuadriculado del folk y jugar con el progresivo o las raíces del rock n' roll. Todo ello mientras la popularidad de la banda crecía y de hecho, que terminaría opacando otro disco supremo de la época: Artaud. Entre las canciones destacan "Bienvenidos al tren", el tema homónimo del disco y el rockerísimo "Mr Jones...", que se hizo a propósito para demostrar el lado salvaje de la banda (con mucha carga humorística) y que sería versionada en España unos años después por Tequila. Aunque no hay duda que la que trascendió el tiempo y las fronteras fue "Rasguña las piedras", un tema que comenzaba con el jadeo de un tipo y que evocaba a alguien que había sido enterrado vivo. Nada mal para un clásico. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...e-invierno.html 68 Charly García Yendo de la cama al living (1982) El letargo de las horas muertas, y Charly García, tras los parlantes, incitando al levantamiento espiritual de la raza humana (su raza, argentina), a despertarse del sopor monstruoso de la ignominia fascista, del régimen que cae como una taza al suelo. ¿El contenido? La furia de un pueblo, en hervor, a punto de desparramarse en el suelo, en el cielo, en las calles, en el mundo. Tras haber estado tras el barrote bastardo y maula (gracias Larralde) de la negación; del vacío interior. Carlos García Moreno es por historia, por tradición y encanto, el rocker más influyente en la música (¿y por qué no?), del pensamiento contemporáneo argentino. "Yendo de la cama al living" es su obra analítica, la fundamental, para desentrañar el enigma cascarudo de la sociedad de su país. Esa misma que se escuda tras los relicarios católicos aunque le den la espalda y los conviertan en victimario; esa misma que sufre y se desgrana parcialmente, ambivalente, de cualquier sacrificio monumental por seguir viviendo en un país libre, pero que permanece sosegada ante el poder catastrófico de la bota y la chapa militar. Esta obra de Charly refleja el comportamiento, la adaptación (casi darwiniana) de la forma evolutiva de su nación sin complejos ni pensamiento corrosivo. La que permaneció en silencio, en el sueño gris mientras las pesadillas las vivían otros. Y, el retrato, cual pintor, a cargo de García es ni más ni menos acertado: un año después, 1983, las máscaras caían. (Imfreakalot) http://rockenlasamericas.b...la-cama-al.html 67 Control Machete Artillería Pesada: Presenta (1999) Si recargamos un fusil, invisible, para dar diatribas y dictámenes a un pueblo apagado (en off), probablemente las municiones serían poesía, al menos, esas municiones serían la poesía de Control Machete. Retroalimentación de energía sulfúrica, que se conecta con los pasillos de cualquier barrio postergado: del de la vuelta de tu casa, de la mía. Esa sensación de mundo apocalíptico, a punto de explotar en rebelión. Lluvia ácida de lamentos y de clemencia, en pleno ruego a la "maravillosa" empresa con luces de neón que posterga, que elimina al no apto y lo devuelve en migajas, aprovechando su energía para construir muros y explanadas, para aumentar su imperio, para fortalecer su empresa fálica. Parientes directos de Cypress Hill. "Artillería pesada, presenta…" es su segundo disco de estudio donde, elaboración de por medio, logran darle nuevos ribetes a esa protesta (que hasta ese momento era grito y repetición, nada más). Toy, Pato y Fermín resuelven en forma calculadora y como nunca más lo volverán a hacer (Fermín abandonaría la banda a finales del 2000); los invitados son de lujo. El resultado se manifiesta sobre la fosa siniestra de la protesta para proyectar imágenes de ese mundo perdido, de esas caras de dolor. html |
