Los años 20 fueron los años del cine mudo. Uno de los actores más influyentes en este tipo de cine fue Charles Chaplin con películas como “El gran dictador” y
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| Cine clásico 1920-1940 -Los años 20 fueron los años del cine mudo. Uno de los actores más influyentes en este tipo de cine fue Charles Chaplin con películas como “El gran dictador” y “El circo”.   -En 1927 aparece el cine sonoro con “El cantante de jazz”. Después de su estreno, las películas habladas fueron cada vez más habituales y diez años después, el cine mudo prácticamente había desaparecido.  -CARACTERÍSTICAS DEL CINE CLÁSICO DE HOLLYWOOD Un conocido teórico del cine, André Bazin, explicaba que en la película clásica da la impresión de que los sucesos ocurren objetivamente, mientras la cámara parece limitarse a darnos la mejor perspectiva, subrayando en ocasiones lo que resulta adecuado. Estas películas, ocultan el artificio, su construcción, y al artífice, su autor. 1- Podríamos resumir que las premisas utilizadas por Hollywood en la narración son: la causalidad, las consecuencias, las motivaciones psicológicas, el impulso hacia la superación de obstáculos y la consecución de objetivos. Además, la causalidad está centrada en los personajes -es decir, es personal y psicológica-, lo cual constituye el armazón de la historia clásica. 2- Se basa en la suposición de que la acción surge principalmente de personajes individuales que actúan como agentes causales. La narración se centra invariablemente en causas psicológicas personales: decisiones, elecciones y rasgos de carácter (muy distinto al caso de Potemkin de Einsenstein). En general, los manuales para la redacción de guiones exigen que los rasgos del personaje estén definidos con claridad y sean coherentes. 3- Los manuales insisten en una estructura clara de: presentación, conflicto, complicación, crisis y desenlace. Estos manuales aconsejan comenzar por plantear problemas que los personajes deban resolver, presentarlos mientras intantan resolverlos y acabar con una resolución clara. Así, la película progresa como una escalera: cada secuencia debe causar una impresión clara, alcanzar un objetivo y hacer avanzar la narración un paso más hacia el climax. 4- A toda fuerza (por ejemplo, el deseo) que impulsa a desencadenar las acciones, se opone su contraria. De esta oposición se crea un conflicto. La causa y el efecto implican cambio. De ahí que los personajes y sus rasgos (como el deseo) sean una importante fuente de causas y efectos. En conclusión, en la narrativa clásica de Hollywood, la cadena de acciones que resulta de causas predominantemente psicológicas tiende a motivar la mayoría o todos los hechos de la narración. 5- El cine de Hollywood rechaza el juego radical con la cronología (flashforward, flashback). "La correspondencia relativamente estrecha entre el orden de la historia y el orden narrativo de la película clásica ayuda al espectador a crear una sucesión organizada de hipótesis y un ritmo firme de preguntas y respuestas". 6- La narración clásica tiende a ser "objetiva" y tiende a situar la narración en el extremo de la escala del conocimiento ilimitado (omnisciente y omnipresente). De este modo, hay fragmentos de la película que nos premiten acceder a cosas que el personaje principal no ve, no oye o no sabe. 7- La película clásica suele contener un número reducido de planos con punto de vista subjetivo (generalmente limitado a mostrar lo que un personaje lee) 8- Finalmente, la mayoría de estas películas tienen un fuerte grado de clausura al final. Al resolver los finales, estas películas intentan concluir sus cadenas causales con un resultado concreto, altamente previsible. Incluso, para asegurar espectador de que la resolución es el fin de la película, se termina con el título "The End". -Algunas películas de la época:   Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland) es una película estadounidense que adapta la obra de Lewis Carroll “Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas”. Estrenada en 1933, a raíz del centenario del nacimiento de Lewis Carroll en 1932, se trata de una lujosa adaptación de la Paramount que reunió a todo su elenco de estrellas para interpretar los diferentes personajes de la historia. Algunas de las estrellas que participaron en la película fueron:  Charlotte Henry, Gary Cooper, Edward Everett Horton, etc. El mago de Oz (1939) es una película musical de fantasía producida por Metro-Goldwyn-Mayer, aunque ahora Time Warner posee los derechos de la película. Contó con las actuaciones de Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Jack Haley, Bert Lahr, Billie Burke y Margaret Hamilton. En la actualidad es considerada una película de culto, a pesar de su proyecto inicial como fábula cinematográfica infantil. La cinta está basada en la novela infantil El maravilloso mago de Oz de L. Frank Baum, en la cual una joven estadounidense es arrastrada por un tornado en el estado de Kansas y dejada en una fantástica tierra donde habitan brujas buenas y malas, un espantapájaros que habla, un león cobarde, un hombre de hojalata y otros seres extraordinarios.   Judy Garland (1922-1969)
A mediados de los años 30, Judy se dirigió con su madre a Hollywood para participar en varias pruebas cinematográficas que pronto demostraron el elevado talento vocal de la gran intérprete, consiguiendo firmar un contrato con los estudios Metro Goldwyn Mayer, lugar en donde brillaría en imprescindibles títulos.
El 22 de junio de 1969 falleció en Londres tras una sobredosis de somníferos a la edad de 47 años.  Ana Karenina es una película de 1935 dirigida por Clarence Brown. Se basa en la novela homónima de León Tolstói. Los actores protagonistas fueron Greta Garbo, Fredric March, Basil Rathbone y Maureen O'Sullivan. Se estrenó el 30 de agosto de 1935. Rusia Imperial. Cuando Anna Karenina, una bella aristócrata infelizmente casada conoce a Alexei Vrinsky, un apuesto militar con un futuro prometedor, entre ambos surge un tempestuoso y apasionado romance que mantendrán en secreto. Pronto los rumores invadirán las altas esferas, provocando un escándalo que marcará el destino de los amantes de por vida.    Greta Garbo (Estocolmo, Suecia, 18 de septiembre de 1905 - Nueva York, EE.UU. 15 de abril de 1990) fue una actriz de cine sueca. Se convirtió en el principal Mito del Séptimo Arte. Su rostro es considerado como el más perfecto que ha dado el cine hasta el momento y su precoz retiro con apenas 36 años contribuyó a engrandecer la leyenda de la Garbo. Greta Garbo inició su carrera como actriz en Suecia, en la época del cine mudo. El ascenso de Greta Garbo como estrella fue en los últimos años del cine mudo, pero la llegada del sonoro no la perjudicó. Con su primera película sonora (Anna Christie de Clarence Brown) fue nominada al premio Óscar. Películas como Mata Hari, La reina Cristina de Suecia y Anna Karenina afianzaron la leyenda de «la Garbo». En 1941 Garbo volvió a la comedia ligera con el filme La mujer de dos caras (Two-Faced Woman) (ésta sería su última aparición en el cine). En la cúspide de su popularidad, Garbo dejó el mundo del cine a la temprana edad de 36 años y vivió el resto de su vida en un departamento en Nueva York. No acudía a fiestas ni a ningún acto público. Finalmente en el 1954, recibió un Óscar por su gran trayectoria cinematográfica. Murió en Nueva York a los 84 años de edad víctima de un síndrome renal y de neumonía. Cine clásico 1940-1960 El cine en la década de los 40: Los 40 son la segunda década del cine sonoro. Pero también suponen el nacimiento del cine moderno: por un lado, el cine que medita sobre su identidad y la identidad de los personajes, y la relación entre actor y personaje, un cine que da a la palabra hablada una importancia desconocida en la década anterior. Y, por otro lado, el cine con actores naturales, el cine considerado como instrumento de conocimiento y de comunicación. En esta tesitura se moverá la producción cinematográfica en los cincuenta, en la que el cine de género continuará su marcha con singulares aportaciones. En el western se revisan sus planteamientos. El cine negro muestra su eficacia. El musical alcanza su cumbre. Hollywood produce mucha ciencia-ficción influenciado por la literatura de la época y por la tensión de la "guerra fría" entre las dos superpotencias. Y también, comedias, melodramas, historias de ambiente juvenil y mucho cine de entretenimiento que llega con las superproducciones que acomete la industria estadounidense para intentar atraer a la sala al público que durante estos años vive más pendiente de la televisión y del esparcimiento social. CASABLANCA.  SinopsisDurante la Segunda Guerra Mundial, Casablanca era una ciudad a la que llegaban huyendo del nazismo gentes de todas partes: llegar era fácil, pero salir era casi imposible, especialmente si el nombre del fugitivo figuraba en las listas de la Gestapo. En esta ocasión el principal objetivo de la policía secreta alemana es el líder checo y héroe de la resistencia Victor Laszlo, cuya única esperanza es Rick Blaine, propietario del 'Rick’s Café' y antiguo amante de su mujer, Ilsa. Cuando Ilsa se ofrece a quedarse a cambio de un visado para sacar a Laszlo del país, Rick deberá elegir entre su propia felicidad o el idealismo que rigió su vida en el pasado.Premios ÓscarEn los Oscar de 1943 (entregados el 2 de marzo de 1944), Casablanca ganó tres premios: Mejor guion adaptado, Mejor director y Mejor película, y fue nominada para otros cinco (que no ganó). Wallis, el productor, se resintió porque el presidente del Estudio, Jack Warner, recogió el premio en vez de él; éste desaire desencadenó la ruptura de las relaciones de Wallis con el estudio en abril del mismo año.“Tócala otra vez Sam” |
| Nació en Nueva York en 1899 y murió en Hollywood en 1957. En 1918 fue contratado como gerente por un productor teatral que le animó a probar suerte como actor. Aunque hizo algún papel secundario fue en 1935 cuando realmente comienza su carrera en el cine. Y en ese mismo año fue cuando la Warner le contrató. Actuó en películas de cine negro y normalmente recreando tipos malvados, una imagen que parecía inamovible. En 1949 ya tenía su propia productora, con la que produjo cuatro películas. En 1951 obtuvo por primera y única vez el Oscar al mejor actor por su actuación como un alcohólico aventurero redimido en la película "La Reina de Africa". Además de ese Oscar, fue nominado al mejor actor en otras dos ocasiones: en 1943 por su interpretación en "Casablanca" y en 1954 por su trabajo en la película "El motín del Caine". Participó en 79 películas.Su última película fue "Más dura será la caída" (1956). Se casó cuatro veces, la última de ellas con Lauren Bacall. Una semana antes de cumplir los 58 años moría de cáncer. Bogart hasta entonces realizó todo tipo de interpretaciones, convirtiéndose con el tiempo en uno de los mitos más sólidos de la historia del cine. |
ORSON WELLES.
George Orson Welles (Wisconsin 6 de mayo de 1915 - Los Ángeles 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense.
Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y el cine, en los que tuvo excelentes resultados. Alcanzó el éxito a la edad de veintitrés años gracias a la obra radial The War of the Worlds. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio cinematográfico RKO. A pesar de estos beneficios, sólo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: Ciudadano kane (1941), la película más exitosa de Welles.
La posterior carrera de Welles fue obstaculizada por una larga serie de dificultades e inconvenientes que le impidió seguir trabajando en Hollywood y lo obligó a trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones. Entre sus muchos proyectos, Welles fue capaz de producir y dirigir películas como Macbeth y El proceso entre otros. Era conocido su amor por España, y en particular por el mundo del toreo, por lo que rodó varias de sus películas en tierras españolas. Su fama creció después de su muerte en 1985, y ahora es considerado uno de los más grandes directores de cine y teatro del siglo XX.
El inicio del cine(1895-1927)
La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y Auguste Lumière realizaron la primera proyección pública de imágenes en movimiento. Los Lumière habían inventado lo que muchos han calificado como la fábrica de los sueños mientras que para muchos otros es una fábrica, sí, pero de hacer dinero.
El cinematógrafo, el invento de los Lumière, tenía como antecedente el kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos consiguieron fabricar una cámara más portátil y funcional a partir de aquel artefacto, que registraba imágenes en movimiento, aunque no era capaz de reproducirlas. Aunque los hermanos Lumière nunca tuvieron excesiva confianza en las posibilidades técnicas y artísticas del nuevo invento, poco a poco estas proyecciones van atrayendo a un número de espectadores cada vez mayor. Las primeras películas combinaban indistintamente dos tendencias cinematográficas que pronto se escindirían: el cine documental y el cine de ficción. Por un lado exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúntes… y
Cinematógrafo de los hermanos Lumière Kinetoscopio de Thomas Edison
por otro, representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las famosas Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895)
Pronto, el particular invento fue distribuido por todo el mundo, bien a través de la compra de la patente, o bien mediante la copia del artilugio. Diferentes inventores alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el cinematógrafo, y puede decirse que a finales del siglo XIX un amplio número de personas en Europa y en Estados Unidos habían visto algún tipo de imágenes en movimiento. Por ejemplo, en el caso de la India, el cinematógrafo llegó solamente un año después de que lo inventaran los hermanos franceses.
Una vez comprobado su potencial económico, el cine se convirtió pronto en un espectáculo de feria, barato y popular, despreciado por los intelectuales, muy alejado de la categoría de Arte bajo la que hoy se le considera. Poco a poco el cine comenzó a dejarse de ver como un espectáculo de feria y ciertos intelectuales ya lo empezaban a reivindicar como un Arte. A partir de 1910 comienzan aproducirse en Europa películas de mayor duración y más calidad. En Francia se adaptaron obras de Victor Hugo o Emile Zola, mientras que en Italia se consolidaba una forma de hacer cine que influirá en todo el mundo. Mientras, en Estados Unidos empiezan a fundarse los primeros estudios cinematográficos
En la Exposición Universal de 1900 el aparato causó una gran sensación, lo que supone el impulso definitivo para su expansión. En Estados Unidos se eliminó la marca Lumière del cinematógrafo, tras un forzado conflicto legal, lo que marcó la desligazón del cine europeo y anglosajón. Por su parte, sería la firma de Charles Pathé la que extendería el cinematógrafo a Berlín, Londres, Roma, Moscú… Antes de la Primera Guerra Mundial, el cine francés se había adueñado del mundo. En 1913 la firma Pathé equipaba el 95% de las salas de Bélgica, El 60% de Rusia y el 50% de Alemania. Incluso durante esta época, el cine americano, pese a su producción autóctona continuaba importando filmes franceses. A partir de la Primera Guerra Mundial, el testigo del mayor productor de cine pasaría a manos anglosajonas.
Pronto se vio que la capacidad de conexión con el público que poseía el cine implicaba excelentes expectativas económicas. Aunque hoy hablemos del cine europeo como un cine de autor y de un cine norteamericano centrado en los aspectos comerciales, lo cierto es que a ambos lados del Atlántico pronto se enfocó el cine como un negocio. El cine nació con una pronta vocación industrial, que se concretó rápidamente en la creación de diferentes empresas con la intención de rentabilizarlo, es decir, las productoras. Esta visión del cine como un producto rentable contribuyó a la realización de cada vez mejores películas, haciendo avanzar el lenguaje cinematográfico, ya que el público demandaba mejores historias. Todo ello animaba a las empresas a invertir en esta industria.
Paulatinamente el cine se iba desarrollando a lo largo de todo el mundo pero no homogéneamente, de manera universal, sino que el cine se impregnó de los valores culturales de cada país. Desde un primer momento se detectaron aspectos y formas de lenguaje en cada país que remitían a una manera de entender la producción distinta, que constituyeron distintas identidades cinematográficas a lo largo del mundo.
A un lado del Atlántico se sitúa la poderosa industria de Hollywood, que desde un principio se conforma entorno a unas pocas sociedades que concentrarán la producción, distribución y exhibición de las películas con el fin de conseguir rentabilizar. Por su parte, las vanguardias europeas (francesa, alemana y soviética, principalmente) se caracterizaron durante los años 20 por su experimentación formal con el lenguaje cinematográfico y reivindicando para el cine el estatus de arte. A pesar de que el cine caminaba con paso firme en todos los países, ya durante los años 20 la producción de Estados unidos comienza a destacar sobre la del resto de cinematografías mundiales, incluida la francesa. En 1920 Estados Unidos produjo 796 largometrajes, frente a los 646 producidos por Alemania o a los 65 en Francia. En este año cerca del 80% de las películas proyectadas en Europa fueron estadounidenses. Hollywood arrancaba como sede mundial de la industria cinematográfica.
Algunas de las películas rodadas durante estas tres primeras décadas han pasado a la historia del cine, convirtiéndose en clásicos y marcando inexorablemente la evolución posterior del lenguaje cinematográfico. El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916), convierten a su autor, David W. Griffith (1915), en uno de los padres del lenguaje cinematográfico, quién concreto en estas dos películas todas las aportaciones hechas en el cine hasta entonces. De la misma manera pasarían a la historia Frizt Lang, Sergei M. Eisenstein, Cecil B. DeMille, Charles Chaplin, Friedrich W. Murnau, Vertov, Jean Epstein, etc.
El nacimiento de una nación(1915) de David W. Griffith se considera un hito de la historia del cine porque lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad.
Otra de las primeras películas fue:
Intolerancia(1916) de David W. Griffith donde la aportación de esta película a la técnica cinematográfica es indiscutible. La película es un intento de profundización en el montaje alterno y la técnica de la persecución y el rescate en el último minuto, que eran las marcas de fábrica del cine de Griffith, y le habían dado tan buen resultado en anteriores filmes, como El nacimiento de una nación.
Así, se podría decir que todos los recursos artísticos y técnicos que habían sido empleados por el realizador en su obra previa, se encuentran en esta película. El resultado es una polifonía con cuatro temas intercalados que van componiendo un trepidante crescendo conforme avanza la película. Todo ello con una gran puesta en escena, donde grandes masas de actores son dirigidas entre decorados gigantescos, como el de Babilonia, cuyas murallas alcanzaban los cien metros de altura. En la escena del ataque persa se movilizaron 16.000 figurantes, con un coste de producción que osciló, dependiendo de las fuentes manejadas, entre uno y dos millones de dólares de la época. Tales gastos supusieron un fiasco financiero del que Griffith nunca se recuperó totalmente, pues el corría con todos los riesgos de la producción. De hecho, a partir de esta película, serían los productores quienes pasarían a dominar el mundo del cine estadounidense, con la aparición de las grandes productoras de Hollywood y el star-system, una vez que la industria cinematográfica europea había sido reducida a cenizas tras la Gran Guerra.
